Le Whitney Museum confie sa biennale 2028 à un duo scène et musée

Le Whitney Museum of American Art vient de confier à Meg Onli, conservatrice de l’institution new-yorkaise, et à Zack Winokur, chorégraphe et metteur en scène, le commissariat de la Whitney Biennial 2028, dont l’ouverture est annoncée pour mars 2028 dans le bâtiment du musée, à New York. Ce sera la 83e édition d’une manifestation née d’un cycle d’expositions consacrées à un médium unique, devenue Whitney Annual en 1937, puis bisannuelle à partir de 1973. Autant dire un rendez-vous dont chaque nomination est scrutée comme un bulletin météo de l’art américain.

Le duo n’a rien d’évident, et c’est précisément ce qui le rend intéressant. Meg Onli a rejoint le musée comme conservatrice associée en 2023, puis conservatrice en 2024 ; elle a cosigné cette année-là la biennale Even Better Than the Real Thing avec Chrissie Iles, et plus récemment la rétrospective Roy Lichtenstein actuellement présentée au musée jusqu’au 10 mai 2027. Zack Winokur, lui, ne vient pas du musée mais du plateau : cofondateur et directeur artistique du collectif AMOC* (American Modern Opera Company), qui a investi pendant cinq semaines le campus du Lincoln Center l’an dernier, ancien directeur artistique de Little Island, le parc-scène posé sur l’Hudson conçu par Heatherwick Studio et MNLA, à quelques centaines de mètres du musée. Il a mis en scène à l’Opera Philadelphia et au Santa Fe Opera, et travaillé à la version augmentée du Wizard of Oz visible au Sphere de Las Vegas.

Faire entrer un metteur en scène dans un musée, ce n’est pas seulement ajouter de la danse au programme

La tentation serait de lire cette nomination comme une concession de plus à la performance, discipline que les grands musées américains ont absorbée depuis vingt ans avec une régularité d’horloge. Ce serait manquer le déplacement réel. Ce que propose un directeur artistique de compagnie, ce n’est pas un médium supplémentaire, c’est une autre économie du temps : une saison plutôt qu’un accrochage, des répétitions plutôt qu’un vernissage, une œuvre qui existe à heure fixe et pas en continu. Or la biennale new-yorkaise fonctionne historiquement comme un inventaire — un état des lieux stabilisé, photographiable, critiquable salle par salle. Confier sa fabrication à quelqu’un dont le métier consiste à organiser des apparitions éphémères revient à interroger l’unité de mesure même de l’exercice.

Zack Winokur a d’ailleurs résumé son intérêt pour l’aventure par une formule qui mérite d’être prise au sérieux : la volonté partagée de placer au centre les objets, les personnes, et la collision entre les deux. Le mot collision n’est pas anodin. Il suppose des frottements, des trajectoires, de la vitesse — vocabulaire de scène appliqué à un musée dont les plateaux ouverts du bâtiment actuel, avec leurs terrasses et leurs vues sur le fleuve, se prêtent assez bien à ce régime. Meg Onli, de son côté, a insisté sur la longue histoire de réinvention de la manifestation, depuis les premières Annuals, et sur le fait que le format lui-même reste une question ouverte. Scott Rothkopf, directeur du musée, parle pour sa part d’une alchimie curatoriale propre à chaque édition et promet une vision radicalement neuve.

Après une édition sans tempête, le musée peut-il encore se permettre le calme ?

Le contexte compte. L’édition 2026, organisée par Marcela Guerrero et Drew Sawyer, s’est achevée en octobre après avoir attiré plus de 550 000 visiteurs, dont environ 75 % se déclarant millennials ou membres de la génération Z : le public le plus jeune jamais enregistré depuis que le musée mesure l’âge de ses visiteurs. Elle fut aussi, fait notable, remarquablement exempte de polémique. Pour une exposition qui a traversé la séquence de 2017 — le débat autour de Open Casket de Dana Schutz, la lettre ouverte de Hannah Black réclamant la destruction du tableau, les discussions sur l’appropriation et la censure — puis celle de 2019, surnommée la « biennale aux gaz lacrymogènes » en raison des manifestations hebdomadaires visant Warren Kanders, alors vice-président du conseil et patron de Safariland, le contraste est saisissant.

C’est là que la nomination devient un pari. Une institution qui vient d’engranger des chiffres de fréquentation flatteurs et une paix sociale inhabituelle a deux options : consolider ou bousculer. En associant une conservatrice maison, déjà aguerrie à l’exercice, à un artiste venu du spectacle vivant, le musée choisit visiblement la seconde. Reste la question que personne ne pose encore : un commissariat conçu comme une saison scénique produit-il une exposition qu’on peut encore juger comme telle, ou une succession d’événements dont le compte rendu critique relèvera de la chronique plutôt que de l’analyse ? Trois années nous séparent de la réponse, et les conversations avec les artistes, dit Meg Onli, ne font que commencer.